Ēriks Ešenvalds

Passion and Resurrection

Cast:
Solo-SSAATTBB Coro-Str(6.5.4.3.2)

Passione e Resurrezione è stato scritto nel 2005 e presentato in prima assoluta da Māris Sirmais e dal Coro di Stato Latvija. Rifuggendo dall'unica prospettiva narrativa che caratterizza i grandi allestimenti della Passione del passato, il compositore ha assemblato un mosaico di testi tratti dai Vangeli, dalle liturgie bizantine e romane e dall'Antico Testamento. Il risultato (anche se la musica gli conferisce una continuità senza soluzione di continuità) è frammentario: una serie di istantanee, la storia raccontata in modo ellittico (seppure diretto), combinando azione e riflessione in egual misura; la cronologia lineare non è sempre rigorosamente osservata, e la storia inizia con una donna decaduta che riconosce la divinità di Gesù, e termina con Maria Maddalena (che potrebbe essere quella stessa donna decaduta) che riconosce il Cristo risorto. Questa circolarità (e ci sono echi e pre-echi simili all'interno della narrazione) serve a sottolineare che non si tratta di eventi storici, ma di un eterno presente, proprio come la passione e la resurrezione di Cristo sono rievocate e vissute dai cristiani ogni settimana.

Non ci sono personaggi designati nel brano: il coro dà voce alle parole di Gesù e riporta gli eventi. Il soprano solista di spicco è una presenza distintamente mariana e materna, come la donna che unge i piedi di Cristo, come la veggente Maria Maddalena e come un'osservatrice teneramente comprensiva della sofferenza di Gesù e di sua madre. L'ensemble d'archi, a turno, amplifica le tessiture corali, offre un sottofondo statico con droni sostenuti e sottende il messaggio vocale con contrappunti ironici propri.

L'opera è in quattro parti, ognuna delle quali è preceduta da versi tratti dalle Scritture, che si susseguono senza soluzione di continuità. La prima parte si apre con quattro voci soliste che cantano un'ambientazione di Parce mihi del cinquecentesco spagnolo Cristóbal de Morales; apparentemente preludiale, questo objet trouvé si afferma ben presto come un'importante presenza ultraterrena quando vi si sovrappongono accordi d'archi delicatamente dissonanti, e il quartetto solista ritorna successivamente con materiale di derivazione moraliana, sempre un elemento ossessivamente alieno nel paesaggio musicale. Il recitativo del soprano che segue è al tempo stesso lamentoso ed estatico, sostenuto da trame d'archi lungamente disegnate che rivelano la distintiva tintura armonica dell'opera - fluidamente modale, punteggiata di cromatismo e incline al movimento semitonale discendente del basso. La benedizione corale che conclude questa sezione ha una calma beatifica, anche se quando si dissolve in sussurri l'incertezza ritorna con un corale d'archi dalla trasparenza inquietante.

La seconda parte inizia con droni in quinta aperta negli strumenti gravi, che ancorano il lamento inquieto del coro in uno statico re minore, mentre le figure sardoniche dei violini offrono il loro commento dissidente. Man mano che il dramma si intensifica, aumenta il senso di presagio, con spostamenti armonici verso il basso e una maggiore densità cromatica. C'è una muscolarità martellante in questo resoconto dell'umiliazione di Gesù, che culmina in grida martellanti di "crocifiggi", a cui fa da contraltare una tessitura di archi stridenti che "imita i clamori estremamente nervosi dei gabbiani" (così dice il compositore). Dopo un fortissimo appello al perdono, "non sanno quello che fanno", soggetto a molteplici ripetizioni, ritorna il quartetto solista, le cui certezze tonali sono unte dal balsamo curativo del soprano, ma quando il coro mormora una versione latina delle parole del quartetto, l'instabilità ritorna quando gli archi raccontano una storia armonica diversa.

La terza parte ha una semplice struttura di rondò. Su un "eterno" pedale di do, il solista offre una lunga meditazione, ambigua nella modalità e impreziosita da note di grazia e glissandi, mentre un singolo violino fornisce un agitato, tremolante discanto. Per due volte al solista risponde il coro con luminosa chiarezza diatonica, mentre due soprani solitari si elevano ad altezze serafiche; la seconda volta questa beata rassegnazione erompe in grida angosciose e il lutto finale è condiviso dal solista e dal coro, con gli archi che aggiungono alla desolazione un sottile arricchimento della voce. Ancora una volta, il quartetto solista ha l'ultima parola, mentre Gesù abbandona il suo spirito.

Al melismatico ed estasiante assolo non accompagnato che apre la Parte IV fa eco il canto sommesso del coro, attutito dagli archi. Il paesaggio è spoglio, mentre coppie di accordi sospirati scendono in modo discontinuo su un pedale interno. Il momento folgorante in cui "il Signore è risorto" è esultante e breve; c'è uno iato di incertezza prima che l'atto di riconoscimento che è il nocciolo della questione sia annunciato dal quartetto solista. Le loro ripetizioni estasiate di "Mariam" attirano il coro, dapprima esitante ma alla fine raggiante, mentre si stabilizza in una delicata oscillazione di due accordi; la voce di Maria Maddalena svetta su di loro con tranquilla radiosità. Più e più volte si chiamano l'un l'altro, ipnotici e sereni, mentre un coro d'archi luminescente sale lentamente verso l'alto. Eppure c'è un'ambiguità proprio alla fine: quale dei due accordi è percepito come la "tonica"? Questa mancanza di finalità è essenziale, perché la storia deve, e ricomincerà, da capo.

- dalle note di Gabriel Jackson © 2011